Free Jazz

Historia

   Aunque se considera ampliamente que el free jazz comienza a fines de la década de 1950, hay composiciones que preceden a esta era y que tienen conexiones notables con la estética del Free Jazz. Algunos de los trabajos de Lennie Tristano a fines de la década de 1940, particularmente "Intuition", "Digression" y "Descent into the Maelstrom" exhiben el uso de técnicas asociadas con el Free Jazz, como la improvisación colectiva atonal y la falta de cambios discretos de acordes. Otros ejemplos notables de Proto-Free Jazz incluyen City of Glass escrita en 1948 por Bob Graettinger para la banda de Stan Kenton y "Fugue" de Jimmy Giuffre en 1953. Sin embargo, se puede argumentar que estas obras son más representativas del Third Stream de Jazz con sus referencias a técnicas de música clásica contemporánea como el serialismo.

   Ornette Coleman rechazó los cambios de acordes escritos previamente, creyendo que las líneas melódicas improvisadas libremente deberían servir como base para la progresión armónica. Sus primeras grabaciones notables para Contemporary incluyeron Tomorrow Is the Question! and Something Else!!!! en 1958. Estos álbumes no siguen la forma típica de 32 compases y a menudo emplean cambios abruptos en el tempo y el estado de ánimo.

   El movimiento del Free Jazz recibió su mayor impulso cuando Coleman se mudó de la costa oeste a la ciudad de Nueva York y firmó con Atlantic. Álbumes como The Shape of Jazz to Come y Change of the Century marcaron un paso radical más allá de su trabajo inicial más convencional. En estos álbumes, se desvió de la base tonal que formaba las líneas de sus álbumes anteriores y comenzó a examinar verdaderamente las posibilidades de la improvisación atonal. La grabación más importante del movimiento del Free Jazz de Coleman durante esta era, sin embargo, vino con Free Jazz, grabado en A&R Studios en Nueva York en 1960. Marcó un abrupto alejamiento de las composiciones altamente estructuradas de su pasado. Grabado con un cuarteto doble separado en canales izquierdo y derecho, Free Jazz aportó una textura más agresiva y cacofónica al trabajo de Coleman, y el título del disco proporcionaría el nombre del incipiente movimiento del Free Jazz.

   El pianista Cecil Taylor también estaba explorando las posibilidades del Free Jazz de vanguardia. Un pianista de formación clásica, las principales influencias de Taylor incluyeron a Thelonious Monk y Horace Silver, que demuestran ser clave para los usos no convencionales del piano de Taylor. Jazz Advance, su álbum lanzado en 1956 para Transition mostró lazos con el Jazz tradicional, aunque con un vocabulario armónico expandido. Pero la libertad armónica de estos primeros lanzamientos conduciría a su transición al Free Jazz a principios de la década de 1960. La clave de esta transformación fue la introducción del saxofonista Jimmy Lyons y el baterista Sunny Murray en 1962 porque alentaron un lenguaje musical más progresivo, como grupos de tonos y figuras rítmicas abstractas. On Unit Structures, Taylor marcó su transición al Free Jazz, ya que sus composiciones estaban compuestas casi sin partituras anotadas, sin medidor de Jazz convencional y progresión armónica. Esta dirección fue influenciada por el baterista Andrew Cyrille, quien proporcionó dinamismo rítmico fuera de las convenciones de bebop y swing. Taylor también comenzó a explorar la vanguardia clásica, como en su uso de pianos preparados desarrollados por el compositor John Cage.

   Albert Ayler fue uno de los compositores e intérpretes esenciales durante el período inicial del Free Jazz. Comenzó su carrera como saxofonista tenor bebop en Escandinavia, y ya había comenzado a llevar los límites del Jazz tonal y el Blues a sus límites armónicos. Pronto comenzó a colaborar con notables músicos de Free Jazz, incluido Cecil Taylor en 1962. Llevó el idioma del Jazz a sus límites absolutos, y muchas de sus composiciones tienen poca semejanza con el Jazz del pasado. El lenguaje musical de Ayler se centró en las posibilidades de la improvisación microtonal y la técnica extendida del saxofón, creando graznidos y bocinas con su instrumento para lograr efectos multifónicos. Sin embargo, en medio de las técnicas progresivas de Ayler, muestra un apego por las melodías simples y redondeadas que recuerdan a la música popular, que explora a través de su estilo más vanguardista.

   Una de las grabaciones clave de Free Jazz de Ayler es Spiritual Unity, que incluye su composición a menudo grabada y más famosa, "Ghosts", en la que una simple melodía espiritual se desplaza y distorsiona gradualmente a través de la interpretación improvisadora única de Ayler. En última instancia, Ayler sirve como un ejemplo importante de muchas formas en que el Free Jazz podría interpretarse, ya que a menudo se desvía hacia áreas y melodías más tonales mientras explora las posibilidades tímbricas y texturales dentro de sus melodías. De esta manera, su Free Jazz se basa tanto en una actitud progresiva hacia la melodía y el timbre como en un deseo de examinar y recontextualizar la música del pasado.

   En una entrevista de 1963 con la revista Jazz, Coltrane dijo que se sentía en deuda con Coleman. Si bien el deseo de Coltrane de explorar los límites de la improvisación en solitario y las posibilidades de una forma y estructura innovadoras fue evidente en discos como A Love Supreme, su trabajo se debe más a la tradición del Jazz Modal y el Post-Bop. Pero con la grabación de Ascensión en 1965, Coltrane demostró su aprecio por la nueva ola de innovadores del Free Jazz. En Ascensión Coltrane aumentó su cuarteto con seis trompetas, incluidos Archie Shepp y Pharoah Sanders. La composición incluye improvisación solista de forma libre intercalada con secciones de improvisación colectiva que recuerdan al Free Jazz de Coleman. La pieza ve a Coltrane explorando las posibilidades tímbricas de su instrumento, utilizando un soplo excesivo para lograr tonos multifónicos. Coltrane continuó explorando la vanguardia en sus siguientes composiciones, incluyendo álbumes como Om, Kulu Se Mama y Meditations, y también colaborando con John Tchicai.

   Gran parte de la música de Sun Ra podría clasificarse como Free Jazz, especialmente su trabajo de la década de 1960, aunque Sun Ra dijo repetidamente que su música fue escrita y se jactó de que lo que escribió sonaba más libre que lo que tocaron "los chicos de la libertad". The Heliocentric Worlds of Sun Ra estaba inmerso en lo que podría denominarse un nuevo misticismo negro. Pero dejando de lado la inclinación de Sun Ra por la no conformidad, fue junto con Coleman y Taylor una voz integral para la formación de nuevos estilos de Jazz durante la década de 1960. Como lo demuestran sus composiciones en el disco de 1956 Sounds of Joy, los primeros trabajos de Sun Ra emplearon un estilo Bop típico. Pero pronto presagió los movimientos de Free Jazz con composiciones como "A Call for All Demons" del disco Angels and Demons at Play de 1955-57, que combina la improvisación atonal con la percusión de Mambo de inspiración latina. Su período de experimentación de Free Jazz totalmente realizado comenzó en 1965, con el lanzamiento de The Heliocentric Worlds of Sun Ra y The Magic City. Estos álbumes pusieron un énfasis musical en el timbre y la textura sobre el metro y la armonía, empleando una amplia variedad de instrumentos electrónicos e instrumentos de percusión innovadores, incluidos la celesta eléctrica, Hammond B-3, bajo marimba, arpa y timbales. Como resultado, Sun Ra demostró ser uno de los primeros músicos de Jazz en explorar la instrumentación electrónica, además de mostrar interés en las posibilidades tímbricas mediante el uso de instrumentación progresiva y poco convencional en sus composiciones.

   La canción principal del Pithecanthropus Erectus de Charles Mingus contenía una sección improvisada en un estilo no relacionado con la melodía o la estructura de acordes de la canción. Sus contribuciones fueron principalmente en sus esfuerzos por recuperar la improvisación colectiva en una escena musical que había sido dominada por la improvisación en solitario como resultado de las Big Bands.

   En la década de 1970, el escenario del Jazz de vanguardia se estaba mudando a la ciudad de Nueva York. Las llegadas incluyeron a Arthur Blythe, James Newton y Mark Dresser, comenzando el período del Loft Jazz de Nueva York. Como su nombre lo indica, los músicos durante este tiempo tocarían en casas privadas y otros espacios no convencionales. El estatus del Free Jazz se volvió más complejo, ya que muchos músicos buscaron incorporar diferentes géneros a sus obras. El Free Jazz ya no indica necesariamente el rechazo de la melodía tonal, la estructura armónica general o la división métrica, como lo exponen Coleman, Coltrane y Taylor. En cambio, el Free Jazz que se desarrolló en la década de 1960 se convirtió en una de las muchas influencias, incluida la música Pop y la música mundial.

Ideología

   Ese desarrollo musical se produce paralelamente a la adquisición, por parte de los músicos negros, de una conciencia social, que les hace comprender que su música puede ser un medio de lucha en el llamado movimiento por los derechos civiles. Esta rápida radicalización ideológica les llevará tanto a asumir planteamientos cercanos al Black Power​ o a posiciones religiosas islamizantes, como, incluso, a actuaciones políticas más radicales, de apoyo económico a los Black Panthers.​

   Esta politización se plasmó tanto en la inspiración de la propia música (por ejemplo, ¡New Wiew!, de John Handy, sobre James Meredith, o Malcolm de Archie Shepp, en referencia a Malcolm X), como en la creación de asociaciones como la AACM de Chicago o en la propia ideología de músicos como Mingus, que utilizaban la coming black revolution (la inminente revolución negra), incluso como recurso en sus relaciones profesionales.

Características

• El ritmo no se localiza en ningún grupo de instrumentos, sino que se extiende a la globalidad en forma de impulsos, de energía. Es decir, se trata de un visión moderna de la polirritmia del Hot.
• Los tempos se conciben de manera herética respecto de la ortodoxia occidental, variando de manera perceptible.
• La melodía y el ritmo no se tratan como sectores independientes, sino interrelacionados.
• A los acordes y la estructura melódico-armónica se enfrenta la invención espontánea, la acción y la atonalidad.
• Se pierde totalmente el concepto de fraseo, llegándose a una autonomía de los distintos sonidos, ampliándose la entonación y el timbre específico de los instrumentos al campo de los ruidos.
• Se incorporan experiencias sonoras y filosóficas de otras músicas del mundo, especialmente de África.

   Te dejo una lista de álbumes para entrarle a este emocionante e impresionante movimiento:

• Free Jazz de Ornette Coleman
• Ascension de John Coltrane
• The Heliocentric Worlds of Sun Ra de Sun Ra